BLACK SABBATH (Álbum, 1970)

Artista: Black Sabbath (C)
Fecha de Grabación: Jul 69 – Ene- 70
Fecha de Lanzamiento: Viernes 13 de Febrero (!!!) de 1970, UK
Discográfica: Vertigo / Warner
Productor: Rodger Bain
Calificación: 9

Mejor Canción: Black Sabbath o N.I.B.
Canciones: 1) Black Sabbath; 2) The Wizard; 3) Behind The Wall Of Sleep 4) N.I.B.; 5) Evil Woman; 6) Sleeping Village; 7) Warning; 8) Wicked World.


De hecho, este no es el primer álbum “maligno” de la historia. Un año antes, una bandita llamada Coven (casi son mis tocayos) lanzó el disco “Witchcraft Destroys Minds and Reaps Souls” que incluso tiene una misa negra grabada en el lado B. Las letras son satánicas totalmente, hablando de exorcismos, brujería, almas en ganga y maldiciones, pero la música al parecer no tiene nada que ver con la “malignidad” que logran los Sabbath, y por supuesto, la maestría en ejecución.
Así que este no es el primer disco “maldito”, en cuanto a letras, y como ya vimos en la intro, su posición como primer obra de metal también está en entredicho. Pero lo que no se puede negar es que es la obra que más repercusión tuvo en estos sentidos, y la que dejó los cimientos para construir el metal a partir de entonces. Ahora, lo de satánico es un decir. Se asoció a Black Sabbath con el satanismo a raíz de este álbum, pero realmente está a años luz de la obra de Coven. Sabbath habla del diablo, pero en ningún momento llama a adorarlo o a practicar misas negras o brujería. A mi punto de vista, lo más cercano es cuando en N.I.B. habla del demonio enamorándose de una chica, pero la sociedad puritana para variar hizo un escandalazo y los Sabbath jamás pudieron sacarse ese estigma. Después vendrían otros discos aún más oscuros de los mismos Sabbath y otras bandas, y actualmente el disco parece un chiste a comparación de las bandas actuales, que piensan que abusar del sonido y las letras es cool y de moda y no se dan cuenta de que suenan, ehhr… como decirlo? Vulgares y ordinarios.
Así, el término “Maligno” no lo uso en un sentido peyorativo o denigrante para este disco. Al contrario. El debut de Ozzy y compañía es un disco que revolucionó la música, un trabajo muy bien logrado, que funciona totalmente en sus propósitos, con música inteligente que se convirtió en un punto de apoyo para la evolución del Rock. Además se lleva de calle los trabajos anteriores de Zeppelin en cuanto a pesadez y densidad, aunque no en maestría o calidad. Si bien las canciones son lentas, estamos en la inauguración oficial del Metal, no del Trash. Ok, acepto que es un disco lento, pero no es enfadoso en lo más mínimo, sino que esa lentitud ayuda a lograr la majestuosidad oscura del álbum que suena como un monstruo arrasando con todo a su paso.
Este disco fue grabado en sólo 2 días de Enero de 1970. Y en verdad que es una verdadera obra de arte considerando el mínimo tiempo, el que en ocasiones les permitió grabar una sola toma de cada canción. El beneficio es que la banda tocó prácticamente “en vivo” dentro del estudio, y de alguna manera ello les dio más potencia y crudeza en el sonido. Además la labor de producción de Rodger Bain fue destacadísima, ya que permitió que el disco brillara con un mejor sonido que el “Led Zeppelin III” o el “In Rock” de los Purple del mismo año. Los riffs de Tony Iommi son maravillosos, conservando una maestría y creatividad que sólo los virtuosos tienen, y al mismo tiempo con bastante potencia, superando a Page ya a Blackmore en este sentido, aunque sin tanta técnica. Y melódicamente también logran estructuras elaboradas e inteligentes, y de algún modo más alejados del blues que Zepp o Purple. Iommi sería acusado de plagiar a Cream y a Zeppelin, pero creo que toma algunos detalles sin que pueda ser considerado un plagio tal cual. Tony es suficientemente inventivo por si mismo desde este disco debut, pero ya lo veremos más a fondo.
Ozzy por su parte aún no desarrolla completamente su voz y suena limitado en su rango; en Paranoid sonará mucho más maduro y mostrando ya sus mejores cualidades, sin embargo aquí alcanza a sonar siempre convincente, y en la canción que abre el álbum luce realmente escalofriante, desesperado, con un performance que va más allá de la entonación o afinación que debe tener un vocalista, sino en la manera en que asume el rol y convence al momento de cantar. Una de los momentos vocales más turbadores e interesantes en la historia del rock y nada que ver con los vocalistas actuales que parecen estar vomitando un pulmón para “intentar” causar miedo.
Finalmente, otra revolución que trajo este disco fue en el ámbito de las portadas. Al ser considerado este trabajo como un paralelo a los films de horror, la portada del álbum representa a la perfección la idea. Esta imagen sin duda da más miedo que cualquier otra de las portadas de Sabbath, ya sea el “Bloody” el “MOB” o el “Dehumanizer”. La imagen borrosa de una mujer de negro, con un semblante aún más oscuro, dan la idea de una bruja. Pero no podemos estar seguros, y creo que es esta falta de certeza lo que causa más impacto visual. Quién es? O mejor dicho, QUÉ es? Si se fijan, bien pudo ser el póster de la película “El Proyecto de la Bruja de Blair” y el concepto es básicamente el mismo: hacer una sugerencia sin afirmar nada… explotando así el miedo a lo desconocido. A partir de ahí los discos de metal tendrían alusión a la muerte o, al ocultismo o a seres sobrenaturales, pero no sé si haya alguna que me cause el mismo impacto que la magnífica carátula de este álbum.


El disco abre con todo. El tema que da título al disco y a la banda comiennza con un efecto de lluvia, rayos y campanas de Iglesia que de alguna manera dan la impresión de ser fúnebres. Los rayos son reemplazados al :40 por el primer riff de pesadísima manufactura y gran calidad que nos entregrará Tony en su carrera. Ozzy comienza con esas letras que hablan de ser preseguido por Lucifer, añadiendo esos horripilantes gritos de “Oh! Nooooooooooo!" Después de cada verso, logrando que la melodía se vuelva queda vez más oscura y con ambiente de pesadilla. Hay una fuerza sónica brutal y afilada en este track, y escucharla se vuelve realmente en algo impresionante y a veces doloroso. Si esta es la impresión que causa hoy día, no me puedo imaginar lo que pensaron en el lejano 1970. Hay mucho qué decir de esta simple canción, ya que es la primera composición, y por ende la que definió el sonido de la banda y del género, logrando un impacto musical, lírico, sónico y social. Durante los versos el trabajo de Bill Ward con sus tumbs es indispensable, creando con ellos la tensión petrificante mientras la campana sigue sonando al fondo. Después del primer verso la campana desaparece, pero el riff mastodóntico y lento parece continuar con la cadencia y el efecto hipnótico. Raramente tres simples notas logran ser tan demoledoras. No es que el riff sea una joya comopleja, pero Iommi sabe utilizarlas para lograr su efecto, que es que el escucha se sienta sobrecogido. Sobre la interpretación vocal, no me importa repetirlo. Es una de las mejores que ha tenido Ozzy en su historia, cantando con un acento que en Ingalterra se denomina “Brummie”, que se refiere a quien está deprimido… Osbourne aquí realmente parece que tiene ideas suicidas, por la entonación, el timbre y desesperación con que canta, y ese "Oh no, no, please God help me !!" al 4:00 es como la corona de su interpretación y suficiente para causar pesadillas de por vida. Bueno, exageré, pero ustedes me entienden. El trabajo de Ward en los brakes es brutal y la manera en que toca el platillo ride durante la enorme y majestuosa coda es algo deslumbrante. Aunque debo aclarar, no es que los 4 hagan un derroche de técnica y virtuosismo en esta canción, sino todo lo contrario, es sorprendente la manera en que hicieron una canción casi minimalista y que suena TAN deslumbrante sin necesidad de tanto artilugio. Al 4:35 inicia esa coda más rítmica con algunos aires progresivones y hardrockeros, y que le da óxigeno a esa atmósfera sofocada de la primer mitad. Iommi se discute con un solo muy efectivo, cargado de tremo y no sé cuantos efectos más. La letra escrita por Geezer es sobre una sombra con ojos de fuego sentado junto a él en la cama mientras duerme. Fue al parecer un sueño que lo dejó muy marcado y aunque hay discusiones de que si se inspiró en las visiones de Wathley o en Milton, yo creo que simplemente recreó con letras muy simples el terror de una pesadilla, lo cual lo lograron conjugar con la música de manera maestral. Cuando la gente dice que el metal es música del diablo, no saben cuán erróneamente acertados están…
La segunda canción es “The Wizard”, con un gran riff, amenazante y crujiente de 6 notas de guitarra a toda distorsión, y un trabajo ahora si impresionante por parte de Ward con los redobles, que parecen no parar un solo segundo. Lo malo son las letras, ya que hablan de un mago tipo Gandalf que elimina todo lo malo que haya a su paso. Ni Plant hizo letras tan nefastas. La melodía es buena, pero queda una como sensación de estar oyendo una reinterpretación convulsa de “Schizoid” de King Crimson. Además Geezer Butler suena muy semejante a Greg Lake en el debut de los Crimson. No sé si es Ozzy quien toca la armónica, pero suena fantástica y dan ganas de que fuera un recurso más común de la banda. De alguna manera le da una mayor cercanía al blues y logra un buen complemento con la guitarra.
Después llega “Behand the Wall of Sleep” que es quizá un intento de continuación del track abridor. Trata de describir el momento exacto de la muerte y el “despertar” del otro lado, aunque con una musica más luminosa y funky. Ozzy suena con una voz vieja que ayuda al efecto deseado. Es curioso que nunca sonó tan viejo como en este disco, ni siquiera hoy día. Para ello hicieron un truco mezclando su voz en dos pistas diferentes, bajando el volumen de una mientras subían la otra y logrando un efecto dislocado. En esta pista se solo de bajo de excelente manufactura y que da nota de que Geezer es un bajista por encima del promedio, quizá no un Jaco Pastorious, pero si uno de la escuela de Jack Bruce. Este solo esta dentro de la línea rítmica de “Behind the Wall of Sleep”, y al terminar la rola viene el fragmento llamado “Bassically” que es otro solo sin mayor instrumentación y que liga con la siguiente rola.
El cuarto track es “N.I.B.”, que es casi del mismo tamaño que la canción inicial. Tradicionalmente se ha pensado que las siglas corresponden a “Nativity In Black”, pero en realidad Bill Ward tenía el apodo “Nibby” y el título de la canción surgió de un día con mucho buen humor y drogas. En realidad la canción no se la tomaron muy en serio, pero lograron un riff que ha quedado entre los mejores de todo el catálogo de Iommi. Líricamente este es el mejor argumento que la gente tuvo para decir que Black Sabbath era un grupo satánico. Habla en una primera persona y siempre haciendo sugerencias y dando pistas que a fin de cuentas no dejan dudas, pero se refiere al diablo enamorándose de una chica, y no es algo realmente nuevo. Los Stones lo habían hecho años antes con “Symphaty for the Devil” de manera mucho más cínica y descarada. La armonía vocal va siguiendo a la guitarra, lo cual también se ha criticado, pero ha mi gusto le da una mayor magnificencia al efecto de la canción. Por cierto que iommi fue acusado de plagiar a Cream… No les parece sospechosamente conocido ese riff? Pues si, si tomamos las primeras cuatro notas es exactamente la misma secuencia de “Sunshine of Your Love”, pero el resto no tiene nada que ver. Si nos ponemos a buscar todas estas coincidencias con lupa, realmente vamos a encontrar que no hay nada original del 70 para acá. Además Iommi se quita cualquier interrogante con los solos que se avienta aquí, que básicamente son los que le han dado un status inmortal a esta magnífica rola.
Después viene “Evil Woman” que es el único track grabado en 1969 y lanzado previamente como sencillo. Es una canción simple, con un coro muy pegajoso y un riff muy funky y accesible. Por algo fue lanzado como single.
El sexto track es “Sleeping Village”, un tema acústico de apenas 4 líneas de letra, casi un soneto pastoral con una guitarrita muy mona y tristona haciendo arpegios. Uno sospecharía, conociendo a Sabbath, que trata sobre una hecatombe que mata a una población, pero no, es simplemente un pueblo dormido apaciblemente. Tras 50 segundos tranquilos viene una sección instrumental muy rocker, con un riff tras otro y cada uno de excelente manufactura. Los solos han sido comparados con Cream. No creo que llegue a tanto, sin ser obras de arte, este es un jam bastante disfrutable donde llega un punto en que los tres instrumentos están haciendo un solo a un tiempo, y luego regresan a los riffs, y hay redobles apocalípticos y es algo que hay que oír. La canción termina con un efecto muy Hendrixiano que lo liga al siguiente track.
“The Warning” es de lo más cercano de Black Sabbath con el Blues. En serio. Empieza con un solo de guitarra maniático que lleva a una calma protagonizada por Geezer. Es el bajo quien va llevando el riff principal, con sus 6 cuerdas y un efecto como distorsión muy profunda. Bill Ward se confirma como un bataco magistral, sacando recursos a cada instante para mantener o subir la tensión. Los solos en la sección media y al final son enormes. Es uno de los mejores momentos de Iommi, que después de todo SI tiene una raíz bluesera, y va de ese aire tranquilo del Hard-Blues a un solo de metralleta en que despedaza su guitarra con una técnica incendiaria y sin nada que anticipe estos cambios abruptos pero deliciosos.
“Wicked World” se encarga de cerrar el álbum. Al menos en la versión que yo tengo. Tiene una batería brillantísima en los primeros segundos, y después tiene un aire jazzero, mucho más marcado que el de John Densmore y que remite a la época en que la banda se llamaba “Earth”. La canción tiene otro riff incisivo y violento, que esta vez recuerda bastante “Wild Child” de los Doors. La canción fue escrita por los cuatro y se nota por la excelente instrumentalización y construcción tan detallada que tiene. Un gran cierre sin duda, aunque me parece que en las primeras ediciones este track venía un poco antes.

Un gran disco. A pesar de detalles con las letras y de que la voz de Ozzy no está 100% desarrollada, es uno de los grandes debuts de la historia, además de una importancia histórica irrefutable. Te puede gustar Sabbath o no. Te puede gustar el metal o no. pero no puedes juzgar a esta banda ni al género sin haber escuchado esta joya de colección. Le pongo un 9 de calificación simplemente porque vendrán mejores obras de esta banda, obras de arte de un mayor acabado como el “Paranoid” de ese mismo año, aunque en sí este es un disco buenísimo.

El link de descarga del disco Black Sabbath 1970 (álbum) lo pueden encontrar en: http://rapidshare.com/files/111653108/Black_Sabbath_-_Black_Sabbath_perfectdie_www.therebels.com.br.rar

Gracias a http://alexsala.kit.blog.br/ por prestar el link de descarga del disco Black Sabbath 1970 (disco)

BLACK SABBATH

“Day of judgement, God is calling
On their knees, the war pigs crawling
Begging mercy for their sins
Satan laughing, spreads his wings”

INTRO

"C"

La polémica que radica en saber si con el disco debut de Black Sabbath nació el metal o no, está en la definición misma del metal. Hasta el momento no se han podido poner de acuerdo en una definición concreta, y el término “Metal” sigue siendo muy ambiguo. Así tenemos que para muchos “Wild Thing” de los Troggs es metal, lo cual lo llevaría a ser la primera de la historia, o incluso dicen que “Helter Skelter” de los Beatles inaugura el género, mientras que muchos otros afirman que Iron Maiden no es metal. La verdad es que con tantos géneros y subgéneros es imposible ponerse de acuerdo, y además diario salen más y más bandas de tipos que sustituyen el talento por tatuajes de calaveras y demonios y que creen que porque tocan lo más fuerte, rápido, distorsionado y pesado posible, ya deben ser una banda de metal de culto. Incluso muchos otros consideran a Def Leppard y Poison como Metal. Los límites entre el Hard Rock, Power Ballads, Glam y Metal muchas veces son apenas distinguibles y esto hace muy difícil y a veces absurdo categorizar a las bandas y su sonido. La discusión más encarnizada sobre el nacimiento básicamente está entre el disco debut de Black Sabbath y el de Led Zeppelin.

Ahora, yo no soy ni me pretendo hacer pasar por un experto del Metal, mi conocimiento al respecto es muy básico. Como se habrán dado cuenta, mis gustos van más por el rock clásico, pero admiro y me gustan bandas como Metallica, Iron Maiden, Deep Purple, Dream Theater, y por supuesto Black Sabbath. Además trataremos de ahondar más en el tema cuando toquemos el nacimiento y evolución del género en su respectiva Edad del Rock (Age of Rock) que analizamos mes con mes. Así que con esta advertencia y sin ahondar aún demasiado, mi opinión es que el Heavy Metal se inaugura con el álbumo homónimo de Black Sabbath. Por qué? Simple y sencillamente porque Zeppelin estaba haciendo un Hard Rock más cercano a los sonidos de fines de los 60’s, cargado de blues, distorsión y poder, pero lejos de la negrura y densidad de este disco. Claro que puede haber material previo muy cercano al metal que ya se podría definir como tal: Helter Skelter, Dazed & Confused, y un sinfín más. Pero este es el primer disco que capta en su totalidad esa atmósfera, más fúnebre, mastodóntica, lenta y misteriosa de lo que se había hecho hasta entonces. Para ponerlo claro: son inicios de los 70’s y a mitad del Flower Power, llega Ozzy con su banda con letras “malignas” (jajajaja, malignas) que dicen: "Is it the end my friend? Satan's comin' 'round the bend!" y "Look into my eyes, you'll see who I am. My name is Lucifer, please take my hand", que además tiene una música de lo más tétrica y poderosa que se había hecho jamás. Oír este disco era el equivalente a ver una película de terror. Y muchos lo comparaban incluso con una misa negra. Por supuesto que hoy día parece un chiste en comparación a otras letras y sonidos verdaderamente apocalípticos, pero en ese entonces este disco significó un parteaguas cargado de dinamita… Y no sólo eso, sino que lo hizo con gran calidad y logró un éxito absoluto en los charts. Por lo que si no se inventó propiamente el Metal con esta placa, si se señaló el camino que habría de seguir desde entonces, y eso lo vuelve un disco revolucionario y tremendamente influyente en la historia del Rock.

Black Sabbath se formó en Birmingham Inglaterra en 1968. El joven guitarrista Tony Iommi y el batería Bill Ward, que estaban en el grupo Mythology, decidieron formar una nueva banda después de que esta tronara, buscando un sonido de Heavy Blues como el que imperaba en la época tras apagarse lentamente la llamarada psicodélica. Por esa época, un chico medio loco llamado Ozzy Osbourne también buscaba banda y puso un anuncio en el periódico, por lo que terminaron encontrándose y tras una charla, se dieron cuenta de que los proyectos que traían en mente eran similares. Ozzy se trajo al bajista Geezer Butler con el que había tocado en una banda llamada Rare Breed y con eso el grupo estaba completo, por lo que comenzaron a ensayar bajo el nombre “The Polka Tulka Blues Co.” Durante un tiempo también agregarían al guitarrista Jimmy Phillips y al saxo Alan Clarke, que no durarían mucho.
Después de la salida de Phillips y Clarke, la banda cambió su nombre a “Earth”, y ya convertidos en cuarteto, buscaron un sonido semejante al de Cream y Blue Cheer, iniciando una gira en pequeños antros de Inglaterra, Dinamarca y Alemania. Después de esta minigira, Tony decidió abandonar el grupo para incorporarse a Jethro Tull, que tenía bastante más cartel que “Earth”, llegando a aparecer con los Tulls en el “Rock & Roll Circus” organizado por los Rolling Stones. Sin embargo Iommi no se sintió a gusto en la nueva banda ya que tenían como líder indiscutible a Ian Anderson, lo cual le dejaba con poco margen para opinar y tomar decisiones sobre el rumbo de la banda, sobre todo considerando que él tenía una escuela más hacia el Blues-Rock y Jethro Tull tenía tintes más progresivos. Así que regresó rápidamente a “Earth” en Enero de 1969 antes de que tuvieran oportunidad de remplazarlo. Lejos de perjudicar a la banda, el retorno del guitarrista creó una nueva unión y actitud en la banda, poniéndose las pilas para trabajar en equipo y con el reto de conseguir el éxito en este nuevo intento.
Así continuaron dándose a conocer en el Reino Unido, y durante una de las giras, en Agosto, se dieron cuenta de que ya había otra banda con el nombre “Earth”, por lo que se vieron obligados a buscar uno nuevo. Geezer Butler fue quien vino con la idea, ya que enfrente del hotel donde se quedaban había un cine donde estaban pasando la película de horror “Black Sabbath” de 1963 de Boris Karloff. Butler y Iommi eran fans de esas películas de terror, y tras verla en dicho cine se preguntaron porqué si ver ese tipo de filmes causaba tanto estrés y terror, la gente hacía filas para verlas. Así, no sólo decidieron el nuevo nombre, sino la nueva dirección, tratando de hacer una música “paralela” a esos filmes, con riffs, notas y letras cargadas de oscuridad. “Black Sabbath” sería la primer canción compuesta en este tenor, inspirada en el trabajo de ocultismo de Dennis Wheatley y en un sueño que tuvo Butler sobre una “figura negra, misteriosa y terrorífica” parada al lado de su cama. Tras lograr quedar complacidos con esta primera canción, se dieron a la tarea de realizar nuevas composiciones con este nuevo sonido, el cual pulieron y comenzaron a perfeccionar a fines de 1969.
En Diciembre de 1969, Black Sabbath llamó la atención de Philips Records, que los firmó para lanzar su material. El primer single sería “Evil Woman” que fue lanzado a través de la subsidiaria Fontana Records a inicios de 1970. Con el relativo éxito logrado por el single, estaban listos para lanzar su primer Larga Duración, que finalmente fue de los que inauguró otra nueva subsidiaria de Philips, que se enfocaba más al progresivo: Vertigo Records y bajo la producción de Rodger Bain. El LP fue terminado en 2 días, ya que muchas de las tomas anteriores realizadas desde Julio fueron totalmente descartadas. Por la premura del tiempo, el disco fue grabado “en vivo” dentro del estudio, la mayor parte en una sola toma. Afortunadamente en fogueo que habían tenido en vivo, la oportunidad de meter a Ozzy a una cabina aparte y la gran calidad del trabajo de Bain como productor dieron un resultado más que destacado para la rapidez con que se grabó.
El disco sería un trancazo. Se lanzó como ya mencionábamos el viernes 13 de febrero de 1970, y debutó en las listas en el lugar 13, para ascender al 8vo puesto. El resto es historia. Sabbath conseguiría su consagración con su siguiente disco, también de 1970, el Paranoid, en el que trataron de desprenderse de la etiqueta de satánicos que les habían colgado. Sin embargo a pesar de intentar alejarse de esa idea popular, al atacar a Satán en las letras solo consiguieron ser malinterpretados, que se les asociara más al término, y de alguna manera, más “mala fama”. El hecho del “accidente” con los murciélagos no ayudó mucho. Ozzy es famoso por la escena en que en un concierto le arrancó la cabeza a un murciélago con la boca, pero según él no estaba planeado, fue totalmente un accidente. Según él los fans le arrojaron el animal al escenario, y él pensando que era de goma, le arrancó la cabeza, logrando una controversia a nivel mundial. Lo cierto es que tuvo que ir al hospital a tratarse contra la rabia. Ozzy por otro lado estaba fuertemente influenciado por las drogas y el alcohol, y desde entonces muchos consideraban su situación mental muy frágil, ya que solía pasear con un zapata amarrado a un cordel, el cual arrastraba como si fuera una mascota.

Tras otras obras sobresalientísimas como Master of Reality, y otros discos como el Vol. 4, Sabbath Bloody Sabbath, y Sabotage comienzan las fricciones al interior del grupo, lo cual se nota ya en la baja calidad del “Technical Extasy” de 1977. En noviembre de ese año Ozzy sale de Black Sabbath. Una versión dice que el fue el que se largó harto del protagonismo de Tony, mientras que otros dicen que lo corrieron por su problema con el alcohol y drogas, lo cual hacía que hiciera un trabajo mediocre con la banda.

La alineación original de la banda es: Ozzy Osbourne como vocalista y el frontman más carismático que ha tenido hasta la fecha. Tony Iommi con una guitarra que echa lumbre. Bill Ward en la batería y Terry”Geezer” Butler al bajo. Osbourne fue remplazado por Ronnie James Dio en 1978, hasta entonces vocalista de Rainbow. El batería Bill Ward fue el siguiente en salir y fue sustituido por Vinnie Appice en 1981 y regresó en 1983. Dio salió durante un disco y fue sustituido por Ian Gilian, ni más ni menos que de Deep Purple. En 1986 la banda colapsó como tal, y aunque Iommi retuvo el nombre de Black Sabbath, realmente fue una banda de soporte para su trabajo solista, nada relevante por cierto y con cambios constantes hasta totalizar 22 tipos que han pasado por las filas de BS. En 1998 después un sinfín de cambios, los miembros originales de Black Sabbath con todo y Ozzy convergieron de nuevo para lanzar el disco “Reunion”. Actualmente aún andan rondando bajo el nombre Heaven And Hell y con Dio como vocalista.

Ahora, musicalmente la formación original era enorme.
Es difícil catalogar a Ozzy con su voz de helio. No es una voz hermosa. Ni siquiera es muy poderosa a la Plant o a la Gillian, y tardó un poco en alcanzar toda su capacidad. Sin embargo, a pesar de sus limitaciones, Ozzy es tremendamente expresivo con su voz y tiene un carisma gigantesco. A pesar de que Osbourne queda tercero entre ese triunvirato formado junto a Page y Gillian, conoce sus limitaciones y sabe utilizar las características de su voz para hacer aún más “raras” y oscuras las canciones. Por otro lado, Dio sin duda tiene un registro más alto y una voz muy educada, pero yo me quedo 100 veces con Ozzy. Las letras serían un punto flaco de la banda, y a pesar de que se malinterpretaron como satánicas (en realidad muchas de las que pasaron por tales eran en contra de Satán, y las cruces que portaban eran porque realmente tenían miedo de la sarta de brujas que los perseguían en lugar de las grupies que hubieran querido) y que no son obras realmente filosóficas o literarias al nivel de Lovecraft, son mucho mejores que el 99% del material de las bandas de metal que han surgido hasta debajo de las piedras últimamente.
Tony Iommi por su parte, hay que reconocer que es un verdadero virtuoso en la guitarra. Es sin duda uno de los mejores y más talentosos guitarristas de inicios de los 70’s, que supo tomar cierta distancia del blues, pero entendiendo a la perfección qué es lo que se necesitaba para hacer grandes canciones, con tremendos riffs, aspecto en donde se podría decir que supera a Page o a Blackmore, y sin la necesidad de solos innecesariamente largos (la especialidad de Page) y sin experimentar con demasiados ruidos de pedales y feedback (especialidad de Blackmore). Iommi tiene una técnica sencilla, no necesariamente espectacular, pero tiene una tremenda técnica en la guitarra. No es un matemático, pero a su guitarra nunca le falta ni sobra una nota en sus buenos trabajos. Además inventó un nuevo tono para la guitarra, ese tritono espectacular que da una atmósfera fría y aplastante a las canciones. Con la acústica no es malo. Quizá no la domine como Page, pero tiene canciones tranquilas bastante buenas como “Laguna Sunrise”. Y si tomamos en cuenta que esto lo hizo después de rebanarse un dedo, su trabajo resalta más.
Finalmente, Geezer Butler en el bajo y Bill Ward en la batería forman una base rítmica bastante sólida. Quizá no estén entre los 10 más grandes de sus instrumentos, pero hacen trabajos sobresalientes al promedio de bateristas y bajistas de la época, con algunos solos, riffs o redobles de antología, y dando un soporte bastante fuerte para que Iommi hiciera su trabajo en la guitarra.
A pesar de las críticas y de obras mediocres a raíz del resquebrajamiento y de la terquedad de Tony por mantener el nombre, Black Sabbath es una gran banda. Al menos la alineación original y algunos de los primeros trabajos con Dio. Black Sabbath tiene su lugar ganado en la historia, si no como padres del metal, si como los que dieron a conocer el género y lo volvieron un fenómeno mundial. El que hoy en día haya cantidad de zombies que pretenden tocar metal y que dan más risa que miedo no es realmente su culpa... o si? Una C bastante sólida como banda nomás por su innovación al crear un género, por la cantidad de temas clásicos que tienen, por su influencia en el rock y por la enorme calidad de sus músicos.

Nota: originalmente iba a hacer con esta la reseña del álbum debut, pero cuando menos me di cuenta ya llevaba más de tres páginas y aun no iniciaba con las canciones, por lo que preferí darle la forma de Intro de banda y colocar la reseña del debut en los siguientes días, ya que con las puras rolas hay bastante tela de donde cortar.

De Cadenas y Anillos

Con un matiz de diosa

de ésas capaces

de acabar civilizaciones,

Ojos como llamaradas

y cara angélica

que provoca insomnios

y maremotos.

Diva de cristal

que consume el tiempo

y lo resume

en un sólo latido.

Puedo verla a través de los espejos,

sentirla en días de equinoccio

y a veces rozar con mi mano

el epicentro de su lluvia.

Puedo dibujar su cintura

delicada, tersa,

con el humo de un cigarro

de sabor a Apocalipsis.

El roce de una de sus alas,

terciopelo de ansias,

y un fulgor ígneo

que apenas se le nota

bajo la luz del crepúsculo.

Todo es hecatombe,

todo en mi cede y se rinde:

La necesidad de un arte supremo,

las profesías de grandeza de la infancia...

Todo en mi cae

ante la taquicardia

del simple rastro de su perfume

o un suspiro a contraluz

que desbarata y seduce.

Qué importa si pierdo mi estela,

si se apagan las notas,

si la pluma calla de noche

o si he de llamar esclavitud

a este deseo...

Qué importa el futuro

si me queda

una eternidad con ella

Hombre: esclavo y amo

Mujer: ángel y demonio

habitándonos la piel

tras las cadenas,

las promesas,

los poemas

y los anillos.

_______________

Como dijera

un perro de Zaragoza

ladrándole a la luna:

llevamos tres,

y me casaría contigo

mil veces

de ser

estrictamente

necesario.

_______________________

Increíble que ya un año!

Murió Michael Jackson

Pues si. Parece que efectivamente, hoy 25 de Junio del 2009 murió Michael Jackson, el llamado Rey del Pop.

Por ahi leí en las noticias que un fan decía que es el equivalente de esta generación a la muerte de Lennon hace más de 28 años. Por supuesto que no hay punto de comparación. Pero hay que aceptar que este ícono del pop tuvo grandes logros en la música de plástico, y que fue tanto su poder que logró tener grandes influencias en la escena del Rock, y es prácticamente inevitable que hayamos escuchado alguna de sus canciones. Yo mismo tengo en mi PC canciones sueltas como Black & White, Moonwalker, Thriller, y Billy Jean, de la cual me encanta la línea de bajo...

No soy fan y no voy a empezar a hacerlo por su muerte, ni pienso reseñar sus discos, pero creo que independientemente de que sea seguidor de su música o del tipo de persona que haya sido, Michael Jackson es un ícono musical y cultural de nuestra generación, y el día de hoy de alguna manera va a pasar a los anales de la historia. Aunque de ninguna manera como el 8 de diciembre del 80.

Les dejo algunos comentarios del blog del Rock & Blog del Universal. Algunas ideas no las comparto del todo, pero los datos no dejan de ser interesantes:

"En la eterna guerra con el pop, si alguien puede ostentarse de haber puesto a temblar al rock, por lo menos en cuanto a ventas, proyección e influencia en los años ochenta, ese fue Michael Jackson.

...en Thriller encontramos no solamente soul y funk, sino también rock -con todo y lo que puedan negar los puristas- en Billie Jean, así como una solo de guitarra en Beat It, cortesía del mismísimo Eddie Van Halen. El mismo Paul McCartney, el compositor melodioso del cuarteto de Liverpool, aceptó el dueto en The Girl Is Mine, la balada de ese mítico plato.

Jackson también ganó otra batalla al rock en la compra de canciones de uno de los máximos emblemas del género de las guitarras eléctricas, los Beatles. Fueron 47 millones de dólares (hoy ya valen mil millones de dólares) los que desembolsó por los derechos de reproducción de 260 éxitos, entre los que destacaban Hey Jude, Michelle entre otros más. Aunque sería en 2007 cuando vendería una parte del repertorio a Sony para pagar sus deudas.
Otra guitarra seducida por el artista negro vuelto blanco fue Slash, la lira estelar de Guns and Roses, quien le dio cierta energía eléctrica al tema Give Into Me de principios de los noventa.

Su vida, sus escándalos, esa boda con la hija del otro rey -pero del rock- Elvis Prelsey, sin contar las demandas por presunta pederastia, hacen de su vida una perla de excéntricidades digno de cualquier estrella de rock.

Por lo menos, es este mi sentir y que puedo compartirles cuando me solicitaron este jueves en el portal escribir un post con motivo de la muerte recién anunciada de Michael.
Así pues, honor al "enemigo", al mago que pudo enfrentarse al género roquero con dignidad, desde su trinchera de música plástica, sí, diseñada para eso, para vender, pero con una propuesta que hasta la fecha no puede negarse en la historia de la música. Tenemos que reconocer que fue un digno rival."

fuente: Rock & Blog del Universal

Y pues si. Hubo un momento en que cada que se vendía un producto Beatle en cualquier lugar del mundo, sonaba la caja registradora de Jackson.

Las noticias sobre su muerte son las siguientes:

"El cantante Michael Jackson, icono de la música pop, fue pronunciado muerto después de su llegada al hospital en un profundo coma, confirmó el médico forense de Los Ángeles, Fred Corral.
El funcionario señaló que probablemente le será practicada una autopsia el viernes.
Una llamada alertó a los servicios médicos de la necesidad de una ambulancia en la dirección del cantante en Holmby Hills, en Los Ángeles.
Al parecer Jackson, que cumpliría 51 años el 29 de agosto, recibió reanimación cardiorrespiratoria antes de ser trasladado al hospital de la Universidad de California (UCLA) por un equipo de paramédicos del cuerpo de bomberos.
"La estrella del pop Michael Jackson fue declarado muerto por doctores esta tarde luego de llegar a un hospital en un coma profundo, dijeron al Times fuentes de la ciudad y autoridades" reportó el diario en su sitio de internet.
El artista no respiraba cuando llegaron los servicios urgencia, según el diario Los Ángeles Times, otras fuentes señalaban que el artista habría sufrido un paro cardiaco.
Tras la llegada del artista al centro médico, un equipo de policías y guardaespaldas se apostaron a la entrada de urgencias para bloquear el acceso a fotógrafos y fans del "rey del pop" .
Jackson tuvo una salud delicada durante gran parte de su vida con numerosos episodios en los que requirió atención sanitaria, cuatro de ellos cuando se estaba celebrando el juicio de 2005 en el que se le acusaba de abusar sexualmente de un menor.
En 1995 fue ingresado en un hospital en Nueva York al desvanecerse en un ensayo en un teatro. Además, es conocido que pasó varias veces por quirófano para someterse a operaciones estéticas, si bien el color blanquecino de su piel respondía a vitíligo, una enfermedad que causa despigmentación, según afirmaba. Jackson tenía previsto realizar una serie de conciertos en Londres entre el 13 de julio y marzo del 2010.

El cantante, cuyos grandes éxitos incluyen ´´Thriller´´ y ´´Billy Jean´´, había estado ensayando en el área de Los Angeles durante los últimos dos meses.Las entradas para sus 50 conciertos en Londres se agotaron en pocas horas cuando salieron a la venta en marzo de este año."

El Universal

Francamente yo dudaba que estuviera en forma para dar siquiera un concierto.

Y pues eso, Jackson, la antítesis del sueño americano, se va en medio de un velo de misterio, como transcurrió su vida, y llevándose a la tumba muchas interrogantes que el mundo tiene sobre él. Los fans del pop lloran la muerte de su Rey, y los fans del Rock les damos el pésame y un fuerte abrazo, así como ellos nos lo dieron hace 28 años. Habrá que esperar un poco para conocer las verdaderas causas de su muerte o las versiones que irán saliendo.

Saludos

Rock And Roll de los 50’s: Los Primeros Pasos

ROCK & ROLL

Años: 1954-1960

Si bien es impensable ver el rock actual sin su Madre-Blues, también es obligatorio detenernos un momento en esa maravillosa Era que constituye su nacimiento y primeros pasos.
La pregunta de los 64 mil es: Cuándo nació el Rock & Roll? Y la de los 128 mil: si su madre es el blues, quién es su padre?

Para estas espinosas preguntas vamos a jugar un poco con la historia: El Rock & Roll era un niño que había sido esperado desde hacía ya tiempo, cuando diferentes artistas de blues y country lo habían referenciado en sus letras con ese nombre. Eran profetas que veían venir un cambio, algo que revolucionaría para siempre la música.
Se dice que el término viene de connotaciones sexuales muy antiguas, en el que “roll” se refería a sexo. Por ejemplo, la frase “They had a roll in the hay” o “I rolled her in the kitchen” y que a inicios del siglo XX era usado entre la comunidad negra del sur de Estados Unidos en un doble sentido, para ocultar su real significado de los blancos. El término Rock & Roll ya se había usado con diferentes intensiones (el sonido de las locomotoras, el vaivén de los barcos, etc.) en la música desde 1930, por intérpretes como las Hermanas Boswell, Buddy Jones y Tommy Scott. Pero las canciones que contenían la frase no tienen mucho que ver aún con nuestro estimado “Rock & Roll”.
Muddy Waters fue quien preparó el camino a fines de los 40’s. Este músico de blues aceleró el tiempo de las canciones logrando un “Rythm & Blues” mucho más rápido e incisivo que el resto de blues hasta ese momento, y después sería una pieza fundamental para que Chuck Berry grabara su primer disco, por lo que podríamos decir que es el padrino de nuestro pequeño Rebelde Sin Causa. Pero no es su padre…

1951 fue un año crucial. Primero, el DJ Alan Freed comenzó un programa de radio en Cleveland Ohio en el que mezclaba música Country blanca con Blues y R&B negro, creando un programa multirracial y acuñando la frase “Rock & Roll” para definir la música que sonaba en él. Freed no es el inventor del término, pero sí quien hiciera famosa la expresión. Ese mismo año, “Jackie Brenston and his Delta Cats”, que no era otro sino nuestro conocido Ike Turner (el ex golpeador de Tina) con sus “Kings of Rythm”, pero grabando con un nombre distinto por presunto temor a la reacción del público, grabaron la canción “Rocket 88”, que en efecto, puede ser considerada la primer canción de Rock & Roll tal cual lo conocemos. El productor se supone que fue Sam Phillips de Sun Records… qué coincidencia!
Peeeeeeeeeero, no he podido encontrar dicha grabación de Ike Turner y muchos dudan de su veracidad histórica, por lo que la certeza de este dato está en entredicho. Curiosamente un tipo llamado Bill Haley la grabaría tiempo después, dándole la fama que se le negó en su versión original. Pasarían aún 3 largos años para que se diera el bombazo. Precisamente Bill Haley, un tipo cachetón y ya no muy joven, que hacía canciones de country y R&B escribió en 1953 junto a su bajista Marshal Lytle una canción llamada “Crazy Man Crazy”, que fue la primer canción de este nuevo ritmo atrevido y salvaje en llegar a los charts de Billboard (#15).
La banda cambió de nombre a “Bill Haley and his Comets” tras el relativo éxito de la grabación, y ese mismo año recibieron una canción escrita por Max Freedman y Jimmy Mayers. La canción se la regalaron a Haley en vista de su éxito con “Crazy Man Crazy”, pero en cierta forma el Rock & Roll había sido algo no planeado para Los Cometas, que se enfocaban más a ritmos country, big band, jazzeros y blueserones, de manera que la canción estuvo enlatada un tiempo y la grabaron finalmente un 12 de Abril de 1954. Así que podríamos decir que ese día, el Rock nació. Midió 2:26 minutos y pesó 29 versos contando las repeticiones, con un Apgar de 9/9 y compás de 4/4.

Veamos una fotografía del nacimiento con las raíces del chiquillo:

Curiosamente la canción no tuvo de inicio el éxito que se esperaba y sólo estuvo en charts una semana. Pero Haley había grabado otra canción, “Shake, Rattle & Roll”, de Big Joe Turner, que fue un tremendo trancazo, llegando a vender 1 millón de copias y fue la primera en entrar a las listas británicas, llevando poco después a “Rock Around The Clock” a alturas similares, apareciendo incluso en los créditos iniciales de la película “Blackboard Jungle”.
Así pues, el padre del Rock fue Bill Haley, no precisamente porque lo creara, sino porque lo masificó, prácticamente por accidente. Bill y sus Cometas tocaban de todo, haciendo una mezcla de muchísimos géneros y estilos. No era un jovencito que intentara rebelarse contra el sistema (tenía ya más de 30 años), y las letras descaradas y con contenido sexual que dominan el R&R no eran tampoco su fuerte. Era un tipo que no tenía miedo a experimentar, pero no tenía como fin revolucionar nada, simplemente sonar “cool” a los jóvenes, que siempre habían sido un cero a la izquierda en cuestiones musicales. Y así, por accidente, con un embarazo no deseado, dio a luz al mundo al Rock & Roll en 1954, siendo incluso el primer artista norteamericano en iniciar una gira por toda Europa, en donde la gente le exigía más Rock & Roll y menos Country, para su fastidio.
Haley sería quien diera a conocer el nuevo ritmo al mundo. Sin embargo después del LP “(We’re Gonna) Rock Around The Clock” y el “See You Later Alligator” poco revolucionaría en este género y siguió encasillado en él más por la circunstancia histórica que por gusto propio. Así llegó al mundo nuestro querido Rock & Roll. Su primer llanto fue

“One, two, three o'clock, four o'clock, ROCK!, Five, six, seven o'clock, eight o'clock, ROCK!, Nine, ten, eleven o'clock, twelve o'clock, ROCK!, We're gonna rock-around the-clock-TONIGHT!!!!”

Y su padre entregó al recién nacido en custodia de un músico negro, que le podía dar mas atención y cariño, alimentarlo, hacerlo crecer y enseñarle a caminar con pasos firmes. Bill Haley sería su padre biológico, pero sería de los traumas que después llevarían a nuestro pequeño Rock a las drogas, a la prisión y a la terapia, donde revelaría al psiquiatra que uno de sus golpes de la infancia sería que su padre lo abandonara tan chico y lo dejara en manos de su tío y padre putativo, aunque estaba eternamente agradecido a este hombre que lo crió y le dio su primera instrucción para llegar a ser tan grande como después lo fue. Ehm, ya se parece mucho a la historia de Lennon. Pero no, el bebé Rock quedó en manos ni más ni menos que de Chuck Berry, quien en muchos aspectos, debe ser considerado el verdadero padre de este niño.

Pero antes de eso, hubo algunas cuestiones que hay que comentar en el mismo 1954. En Julio de ese año, un mozalbete de Memphis grababa en Sun Records, bajo las órdenes de Sam Phillips (el que grabara a Ike Turner) la canción “That’s Allright Mamma”. El tipo se llamaba Elvis. Y fue la cara bonita del Rock & Roll, quien lo convirtió, o quien ayudó a que lo convirtieran a través de él, en un jugoso negocio trasnacional.
La música hasta ese momento había estado en total control de los adultos. Era hecha por adultos para adultos. No había tanta propaganda y los discos se vendían de alguna manera sin tanta parafernalia de mercadotecnia. Al aparecer este tipo en el Ed Sullivan Show moviendo sus caderas y con este ritmo endiablado y pecaminoso, que atacaba las limpísimas conciencias de los Baby Boomers y que por primera vez no iba a un público adulto, sino que era un jovencito haciendo música expresamente para su generación, algo tenía que pasar. Y pasó! Toda esa generación de jóvenes que nacieron tras la bonanza de la postguerra en USA salieron corriendo a comprar sus discos. Y los empresarios, nada idiotas, se dieron cuenta de que el producto no se llamaba “Elvis Presley”, sino “Rock & Roll” y salieron en búsqueda del próximo Elvis. Y comenzaron las campañas de lanzamiento. Y las giras. Porque los jóvenes actúan distinto a los adultos, fíjense: un adulto de mediados de siglo XX le gusta un artista o un disco y no se vuelve loco por tener todo su material, puede escucharlo en el radio porque básicamente todo el radio es programación adulta contemporánea con música decente. Pero los adolescentes y jóvenes son víctimas de sus impulsos, y tienen pocas opciones en dónde escuchar esa música nueva, y esa música nueva además resulta odiosa y “pecaminosa” a los ojos de sus padres, y es hora de rebelarse contra el perfeccionismo de los veteranos de la WW2, y es la moda, y hay que tenerla como sea, porque los bailes de secundaria y los amigos, y hay que estar en onda. Y la música entró así al negocio consumista.
Y el pobre Rock & Roll que estaba recién nacido, puro e inocente y no sabía nada de nada.

Bueno, para 1955 Elvis Presley ya era un fenómeno lanzando éxito tras éxito. Elvis es un símbolo del Rock & Roll. Como músico, brilla por su tremenda voz, que sin duda lo convierte en uno de los mejores vocalistas de la historia. Pero hasta ahí. Presley está tremendamente sobrevalorado como músico. En su vida quizá escribió 2 o 3 canciones medianas, y tocaba la guitarra de manera miserable, apenas rasgueando los tonos básicos de la guitarra, pero sin una verdadera habilidad en ella. Sin embargo es como un héroe nacional, un símbolo del sueño americano, de los 50’s, de la cultura norteamericana. Y no vamos a negar eso. El rock sin él quizá no hubiera sido el mismo. Recordemos que fue por él y por nadie más que chiquillos que apenas salín de la pubertad tomaron la guitarra por primera vez, chiquillos de apellido Lennon, McCartney, Clapton, Hendrix… Todos ellos empezaron porque querían ser como Elvis. Presley es reverenciado como un símbolo, más que verdaderamente un genio musical. Y en este aspecto, esta deidificación no es nada mala, al menos para mí. Y no soy fan.

Ese mismo 1955 en que el Rock & Roll decía sus primeros agús, llego a escena Little Richard, con una canción pegajosísima. Se trataba de “Tutti Frutti” con la cual terminó de masificar absolutamente el género, incorporando matices be boogie-woogie. Fue Richard y no Elvis quien le agregó el beat, la velocidad, su sexualidad y fuego. El sonido que creó Haley era la simple forma. Elvis le dio cara y Little Richard le dio fondo. Basta con dar un repaso a sus éxitos: Good Molly Miss Molly, Lucille, Long Tall Sally, Tutti Frutti, Ready Teddy, Rip It Up…

Para diciembre de 1956 un pianista que trabajaba como músico de sesión comenzó a grabar en Sun Records para nuestro ya famoso productor Sam Phillips, haciendo el piano de canciones para Carl Perkins y Johnny Cash. Su furia y estilo distintivo al piano dejó impresionado a Phillips, quien comenzó a grabarle material propio a inicios de 1957. Durante ese año, Jerry Lee Lewis colocó tremendos hits en la radio, desde “Great Balls of Fire”, “Whole Lotta Shakin’ Goin’ On” y “High School Confidential”. Su fama creció con sus salvajes presentaciones en vivo donde acribillaba su piano. Nadie como Lewis representó el espíritu juvenil de los 50’s. El es el espíritu salvaje que estaba encerrado en los muchachos reprimidos de la época, y fue quien liberó esa fuerza de rebeldía en toda la generación. Elvis era una figura demasiado manufacturada y se vendió al sistema casi de inmediato. Lewis fue el primero en hablarle al oído a la juventud y pedir fuego. Contagiaba rabia en sus presentaciones y uno sabía que la tranquila época donde los adultos decían cómo vivir no iba a durar mucho después de ver alguna de sus incendiarias presentaciones. Forjó la figura del rockero déspota, cargado de ego, fue el primero en tener una vida cargada de controversias y saltarse las reglas de la sociedad puritana. Fue además la más seria amenaza a la guitarra eléctrica como líder y figura indiscutible del rock, pero a fin de cuentas la guitarra prevaleció sobre el furioso piano de Lewis. Más que nada demostró que no importa qué instrumento se utilice en el rock, o la tesitura de la voz, sino que lo que importa realmente es la actitud. Es por esto que Jerry Lee Lewis no fue un rocanrolero ordinario, sino que fue el tío borracho y valemadres que dio algunos consejos al pequeño Rock, los cuales tomaría algunos años más tarde, ya entrados los sesentas.
Finalmente está Chuck Berry. El tipo que asumió la paternidad del Rock una vez que este quedó abandonado a su suerte. Sin duda fue el más significativo durante estos primeros años, tomando el fuego de Little Richard, pero agregándole algo muy importante: una técnica bestial en la guitarra. Chuck Berry trató la guitarra como nunca nadie hasta entonces, y si los Johns, Pauls, Erics, Petes y Jimmys del mundo querían “ser” como Elvis, deseaban “tocar” como Berry. Fue él quién logró ver el potencial de ese instrumento llamado guitarra eléctrica cuando entró al estudio “Chess Records” en 1955 apadrinado por Muddy Waters y lograría clásicos de todos los tiempos con interpretaciones realmente sorprendentes. Canciones como “Johnnie B. Goode”, “Roll Over Beethoven” “Memphis Tennessee”, “Sweet Little Sixteen”, "Little Queenie”, “Rock & Roll Music”, “You Can’t Catch Me”, “Too Much Monkey Business”, el solo de “Maybelene”, por mencionar algunas. La concepción del Rock actual está fuertemente basada en lo que hizo este hombre y en las bandas que se formaron para tocar su música, desde los Beatles, Stones, Yardbirds, The Who y Animals.

El golpe en la cultura que trajo consigo esta música del diablo fue determinante. No sólo trajo que los charts estuvieran controlados por los gustos de los jóvenes. Trajo una revolución en cuanto a marcas y creación de ídolos. Y además la música logró sacar los primeros esbozos de la represión de la juventud. El baile sugestivo y sexoso del rock & roll era algo pésimamente visto por los mayores. Y sus hijos hacían lo que tuvieran que hacer por escaparse, escuchar a sus ídolos y bailar con sus parejas estos nuevos ritmos atrevidos. No fue una revolución sexual, pero fue un primer paso. Sin duda la cadencia y el fuego del rock abrió las puertas a innumerables despertares sexuales, algo que no hubiera sido imaginable con los ritmos más conservadores del momento. Así pues, el simple hecho de escuchar el inocente y recién nacido Rock & Roll era una postura insubordinación contra las generaciones mayores. Y la figura se acrecentaría con el mito de James Dean y el Rebelde Sin Causa.
Además de los músicos que hemos comentado está también Fats Domino, Carl Perkins, Buddy Holly, Eddie Cochran, Gene Vincent, Richie Valens, Chubby Checker, Cliff Richard, The Everly Brothers, Del Shannon, Ray Charles y Roy Orbison también aportaron para que el Rock & Roll, que nació por accidente, sin ser deseado, se convertiera en una maquinaria sin precedentes en el ámbito cultural del planeta durante 1957-1959. Es cierto que las disqueras se aprovecharon del momento para llenarse sus bolsillos, pero también es cierto que había una generación de oro y una cantidad de músicos con talento que fueron contratados por las disqueras, convirtiéndose en los fundadores del Rock.

El 3 de febrero de 1959 se conoce como el día en que el Rock & Roll murió. En realidad quienes murieron fueron Buddy Holly, Richie Valens y el locutor de rock Big Bopper, en un accidente aéreo, en una época que ya comenzaba a ser difícil para el género. Elvis Presley había sido mandado a Alemania en 1958 para cumplir con sus servicio militar. James Dean también había muerto siendo una figura representativa, no de la música, sino de la cultura, el ícono Rebelde de la Generación Beat, que iban muy de la mano. Además, a sus apenas 5 años de edad, los mismos empresarios carroñeros que habían impulsado su crecimiento, se daban ahora cuenta de que era una música peligrosa y que a la larga podría tener una repercusión social (como finalmente la tuvo), por lo que ídolos como Chuck Berry o Jerry Lee Lewis fueron difamados, encarcelados y/o borrados del mapa. Se bloquearon a los nuevos talentos del Rock & Roll, que se moría de fiebre ante su primer infección seria. En lugar de estos ídolos que lo habían hecho crecer y ser un niño regordete, risueño y lleno de fuerza, los falsos doctores recetaban con baladistas acaramelados, sosos, prefabricados, delicados y totalmente inofensivos.

Para 1960 poco o nada quedaba del movimiento en Estados Unidos. El dinero que pudieran haberles producido no era nada a comparación de la amenaza, y además las disqueras ya tenían aprendida la fórmula para colocar ídolos de porcelana. El Rock & Roll formativo, que había crecido rápidamente, al que vimos gatear y dar sus primeros pasos, hacer berrinches, bailar, hacer demás monerías y envaselinarse el copete, quedaba en el pasado. Pero no murió, como muchos deseaban. Estaba escondido en un tugurio de Alemania, en una Caverna de Liverpool, en un antro de Londres, recuperándose al otro lado del Atlántico para regresar como un niño más grande, inteligente y maduro a recuperar su trono y sacudir el mundo…
Pero esa es la siguiente Era.

Les dejo los links de descarga a esta impresionante recopilación de la película American Graffiti, que trae un poco de todo, pero bien vale la pena para darle una repasada a todo lo que se escuchaba en esa gloriosa segunda mitad de los 50’s:

http://rapidshare.com/files/220003041/American_Graffiti_Disc_1.rar
http://rapidshare.com/files/220005407/American_Graffiti_Disc_2.rar

Gracias http://under-g.blogspot.com/ a por prestar el link de descarga del Soundtrack de la película “American Graffiti” para esta Segunda Era “Rock & Roll de los 50’s: Los Primeros Pasos”

LA REVOLUCIÓN DE EMILIANO ZAPATA (Álbum, 1971)

Artista: La Revolución de Emiliano Zapata
Fecha de Grabación: 1971
Fecha de Lanzamiento: 1971, MEX
Discográfica: Polydor
Productor: ?
Calificación: 10

Mejor Canción: Nasty Sex o Mel-Ynda
Canciones: 1) Nasty Sex; 2) Mel-Ynda; 3) I Wanna Know; 4) If You Want It; 5) Shit City (Ciudad Perdida); 6)A King’s Talks; 7) Still Don’t, Not Yet; 8) At The Foot Of The Mountain; 9) Under Heavens.

Aprovechando que una leyenda viviente como La Revolución de Emiliano Zapata, o La Revo, pa los compas, regresa esta noche en la presentación de su nuevo material discográfico, les traigo reseña de este disco histórico, comparable apenas en tamaños con el “Back” de los Spiders.
La Revo es una banda que hoy día es casi desconocida, y cuyo momento de mayor fama fue a principios de la década de los 70’s. Igual que los Spiders, tuvo el talento necesario para colocar fuertemente su material en USA y Europa, pero en México los problemas de represión tras Avándaro apagaron cualquier posibilidad de convertirse en un histórico mundial.
Los fundadores fueron Javier Martín del Campo, un excelso guitarrista con calidad de exportación (único miembro original hoy en día), y Óscar Rojas, vocalista portador del frondoso bigote que explicaba el nombre del grupo. El sonido de la Revo siempre estuvo basado en la incisiva y rápida guitarra de Martín del Campo, que era capaz de hacer unos solos impresionantes y riffs pegajosos y bastante buenos, dotando de una personalidad propia a las canciones y con un sonido mucho más latino que Los Spiders, pero sin llegar al extremo de Santana. Este era un Hard Rock también limpio, aunque más lejano al blues que los Spiders. En 1971 lanzaron éste disco homónimo, una verdadera pieza de colección que rápidamente logró escalar los rankings nacionales, y para sorpresa de todos, también los mundiales. De este disco, lanzaron como sencillos la celebérrima “Nasty Sex”, “Still Don’t Know Yet” y “Shit City”, tres grandes joyas del rock nacional, con las que consiguieron discos de oro en México. La grabación logró trascender fronteras y pronto los discos de oro también les llegaron de Alemania, Inglaterra, Francia y USA, para un total de cinco, algo nunca antes visto. Aunque nadie tenía idea de dónde diablos había salido esta banda ni su nombre raro, la gente reconocía por primera vez a nivel masivo el talento de una banda mexicana más allá de la frontera, algo que sembró esperanzas en los demás grupos.

Con el vertiginoso éxito, la agenda se apretó cada vez más y el ritmo se volvió sofocante. Tuvieron que declinar su ansiada participación en Avándaro en parte por las giras programadas y en parte por las tensiones internas que ya existían y comenzaban a fracturar el grupo, por lo que después vinieron cambios en la alineación, los problemas de represión por parte del gobierno a todo el movimiento del Rock que apenas despegaba en México, pero alcanzaron a editar los discos “Nada del Hombre me es Ajeno” de 1972 y el EP “Congore Tumbero a La Mar” de 1973.
Ante la disyuntiva de seguir peleando por el rock de avanzada o comercializar su sonido para conseguir nuevamente un lugar, los roces entre los integrantes llegaron al punto de una desbandada de varios miembros en 1974, entre ellos Óscar Rojas, frontman y vocal de la banda, quien harto de todo, un día simplemente agarró sus maletas y regresó a Guadalajara con todo y mostacho. Así la Revo dejó en 1975 los sublimes y majestuosos sonidos rockeros por baladas melosas y complacientes, que les dieron de comer, pero los alejó 180° de su escencia y verdaderas capacidades musicales. Es por ello que este disco tiene tanta relevancia. Me ha sido difícil encontrar los demás materiales de rock de la banda, pero sin duda este disco es más que suficiente para concederles un lugar importantísimo en la historia del Rock Mexicano. Nos quedamos pues, sólo con el primer disco de la banda que amerita un 10 y estrellita en la frente

El disco inicia con la canción más conocida de La revo, “Nasty Sex”. Es verdad que es un descarado plagio de “Born On The Bayou” de Creedence, e incluso llegaron a reconocer que la rola nació de estar palomeando la canción de los Creedence, pero los arreglos que lograron meter, sobre todo en la guitarra, sobrepasa con mucho los de Fogerty, y la convierten en un producto único con sonidos vagamente mexicanos y sin necesidad de incluir mariachis o sonidos cumbieros. Nasty Sex, más allá del nombre que genera morbo y las letras simplonas, está perfectamente manufacturada por Javier Martín del Campo. El riff principal de la canción es una gran joya, y no deja de agregar arreglos aquí y allá, conjugando velocidad con un estilo muy personal, y añadiendo pequeños requintos que nacen de ese riff bestial y latino tras cada estrofa. Finalmente Javier incorpora un solo larguísimo que nace alrededor del minuto tres, añadiendo arreglos inteligentes, que no suenan a nada hecho antes (nop, ni siquiera a Creedence) y que se alarga casi hasta el minuto seis, para dar pie a otra estrofa y pasar inmediatamente a una bestial coda donde la canción siempre sube y baja de intensidad a antojo de la guitarra hasta el final definitivo, cerca del minuto ocho. Ese es otro punto a mencionar. Aunque para edición de radio se cortó gran parte de los solos, esta canción fue un parteaguas al ser una de las primeras hechas en México en rebasar el tiempo normal de 3 o 4 minutos impuesto por las disqueras. Y definitivamente esta fue la que alcanzó mayor éxito antes de que fuera algo más común 20 años después. Una canción gloriosoa que por si misma da para levantarle un monumento a estos bigotudos.

La segunda canción es “Mel Ynda”, otra de las rolas grandes. Aunque habla de amor, es una canción llena de energía, con guitarrazos al inicio ala The Who, un fuzz bastante agradable y una armonía vocal bastante pegajosa y fresca. La voz de Rojas no es demasiado destacada, pero suena siempre joven, afinada y llena de vida. La pronunciación no es perfecta como la de Vierling, y este es el único punto flaco de La Revo, que a veces lo pocho y masticado del inglés afea un poquito las rolas, pero se entienden perfectamente las palabras, no sólo en esta canción, sino en general, en todo el disco. La canción, por la estructura, por los tremendos redobles de batería, por los coros, da un aire general a The Who, pero tampoco suena a un plagio, y logran movimientos más armónicos y optimistas que los británicos. Ah, se me olvidaba! Escuchen esa línea impresionante de bajo!
I “Wanna Know” es una balada con una melodía muy linda y simple. No es una canción que destaque, pero tiene un juego de armónica y flautas bastante interesante. No estoy seguro, pero no creo haber oído antes un diálogo entre estos instrumentos de viento en ninguna otra canción. Jamás. La pronunciación nuevamente mancha un poco la canción, que es sencillota y no sale del mismo círculo, pero tiene detalles que llaman la atención y la canción no se cae.
El ritmo sube con “If You Want It”, donde nuevamente entra en juego la magistral guitarra Hardorckera de Martín del Campo balanceando la canción, y los juegos de voces contraponiéndose en el coro. Los solos también son destacados, siempre tendiendo a los sonidos agudos y regresando al mastodóntico riff principal con total naturalidad. Me encanta el coro donde una voz dice “I Got no Money” y otra contesta “Ohhh! But I got Soul”, un resumen de lo que era la banda en esa época. A mitad del solo principal, al 2:20, el efecto de guitarra cambia a un fuzz más grave donde se nota una cierta experimentación y la banda comienza a jugar con la armonía a partir de ese momento en un jam muy disfrutable. La línea de bajo de esta rola es de antología, uno de los mejores trabajos en equipo de la banda, y la calidad total de la canción va muy de la mano con la gran técnica individual mostrada por cada integrante.
La quinta canción es “Shit City” y fue otro de los sencillos del disco que lograron colocarse en Europa. También inicia con un gran riff y ritmo vertiginoso, básicamente es una canción instrumental donde Martín del Campo demuestra sus excelentes habilidades técnicas con las guitarra. Además del solo de Javier, también encontramos grandes arreglos de bahjo y un solo al 2:50, además de fragmentos donde se crea un vacío en el que la batería se discute con buenos redobles. Cerca del minuto tres Rojas comienza a hacer una segunda voz imitando exactamente los sonidos del requinto, subiendo lentamente la intensidad de su voz hasta sonar realmente desquiciado y fuera de control, al igual que la guitarra, y logrando en conjunto un efecto simplemente espectacular.
Después está “A King’s Talks” que en los arreglos de inicio no sé si es mi imaginación o la influencia del título, pero tienen una reminiscencia a algunos sonidos del LP “In The Court Of The Crimson King”. Después de la primera parte con letra y donde hay influencias Crimsonianas, comienzan las multipartes con un guitarreo tremendo que inicia al 1:40 y el arpegio da pie a un requinto furioso y desbocado, para un nuevo cambio al 3:05, con un nuevo arreglo arpegiado y cargado de eco. Hey! Un Momento! Ese arreglo lo conozco! Lo usa Molotov en Gimme The Power 2 (Hit Me). Que Revo tan descarada, Dios mío, venirle a piratear este fragmento a los Molotov 30 años antes! Jajajajajajajajaja! Pa que vean que los Revos son más influyentes de lo que realmente imaginamos, jeje.
Sigue “Still Don’t, Not Yet”, donde el bajo funky de Paco Martínez se echa al hombro toda la canción. Además hay una buena armonía vocal, aunque a la voz le falta más intensidad y suena un poco forzada. Pero en sí es una gran obra. Al 1:20 el riff de Paco cambia a otro arreglo magistral (este instrumento se lleva la rola por completo) para que el requinto inicie. Y es bueno, pero no luce como en otras rolas. Al 2:25 queda solo el bajeo inicial sosteniendo la rola sin ninguna otra instrumentación, y con la voz más grave de martín Del Campo dando un efecto muy “creepy”.
“At The Foot Of The Mountain” vuelve a bajar la intensidad del disco. Regresamos a una balada con una armonía sencilla pero de armonía delicada y hermosa. El juego de tonos, el efecto del bajo que de nuevo resplandece ante los arreglos minimalistas de las guitarras y las voces dulces y pacíficas resultan en una atmósfera muy dulce, perfecta. Después del solo de bajo, al minuto 3 aparece un solo de flauta para terminar de redondear esa aura de tranquilidad exacta.
Finalmente “Under Heavens” se encarga de cerrar el disco. La canción tiene una pequeña intro arpegiada, pero enseguida inician con un guitarreo rítmico para que la voz haga su aparición. Al segundo verso la guitarra líder comienza a hacer arreglos, subiendo la intensidad cada vez más, hasta llegar a los coros, donde el grito de “Freedom!” destaca junto al buen arreglo de guitarras. Una buena canción para el cierre, pero de alguna manera a ratos da impresión de sonar desnuda y sin suficientes arreglos.

En fin, un disco enorme por donde se vea, y en el que las canciones más débiles pudieron haber sido el éxito de la vida de cualquier otra banda mexicana de la época. Las tres rolas marcadas en rojo sobresalen incluso por encima de algunas canciones de bandas norteamericanas. El detalle de la pronunciación la verdad pasa desapercibido ante tan buena calidad musical. Un disco de 10 donde no hay desperdicio, la Revo se muestra a tope y cuyo sonido jamás ser repetirá.
Sinceramente los recomiendo. Veo difícil que muchos de nuestros visitantes lo conozcan por su falta de difusión hoy en día, y porque si de por sí es raro verlo en México, en otros países debe ser imposible, pero pues les dejo como siempre el link reiterando la invitación a que confíen en mis gustos, y si coinciden, traten de difundirlo en sus respectivos blogs.

Definitivamente no voy a poder ir al concierto de esta noche. Argh! ya es mucho tiempo sin sentir la energía de un concierto, pero bueno… si algún lector va y nos quiere compartir su experiencia o sus apreciaciones sobre las nuevas rolas de La Revo, quedaremos eternamente agradecidos.

El link de descarga del disco “La Revolución de Emiliano Zapata (álbum, 1971) con material adicional de sencillos de la época lo pueden encontrar en:
http://www.megaupload.com/?d=8HL3VORF

Gracias a http://rockchilelatinoamerica.blogspot.com/ por prestar el link de descarga del disco “La Revolución de Emiliano Zapata (disco, 1971)

CAFÉ TACUBA, Gira 20:20 (Arena VFG Guadalajara)

17 de Junio del 2009

Gira 20 años, 20 conciertos

Arena VFG

Uff, cantidad de buenos conciertos este mes!

Je, sigue mi maldición de no poder pescar en vivo a Café Tacuba, o Tacvba, o Tacuva o como sea. El caso es que los Cafetos están celebrando sus 20 años y estuvieron ayer en la noche en la VFG de Guadalajara, en una presentación que fue de antología por todo el recorrido musical de esta banda, de casi 40 rolas y más de 3 horas, a través de sus dos décadas de existencia y recordando los mejores temas de su catálogo, que de por sí es excelente.

No pude ir, como ya mencionaba, pero mi estimado Adauco nos comparte su reseña del concierto, con el set list. Un agradecimiento al buen Adauco al cual le debo unas chelas y un trillón de gracias por hacerla de corresponsal para este humilde blog.

Les paso la reseña:


Para empezar la organización de la VFG fue buena, no había mucha fila que hacer para entrar al estacionamiento, que está muy amplio y caben todos, buena seguridad, y rápida entrada, así como a la salida; no tardamos más de 10 min en salir y tomar la carretera, y hay varios retornos para regresar a Guadalajara; lo único malo de la VFG que le veo es que como que el sonido no es lo mejor que tienen, creo que los supera el auditorio Telmex.
Del concierto pues empezó bien, a las 9:20, y pues no les abrió U2 como había soñado =(, pero no le hace, empezaron temprano y no nos hicieron esperar mucho; al principio parecía que no se iba a llenar, pero como a las 9:40, ya estaba lleno… excepto el área de 200, como que ahora no fueron los pobres al concierto =S, o los bajaron a llenar el área de 350, que es la que sigue para abajo, los que si estaban vacíos eran los palcos.
El concierto estuvo perronsísimo, chingón, no había ido nunca a ver a los Cafetos, y me volví a enamorar, así como las bodas de plata, pero sin haber tenido una boda inicial. Tienen muchas rolas, y mucho material para hacer conciertos largos, pues duraron las 3 horas! Terminamos a las 12:20, y cansados pero muy excitados, te puedo decir que es el mejor concierto que he ido este año, ¡mejor que Radiohead! ¡Y mucho más barato!!!

SET LIST Concierto Café Tacuba, Guadalajara

1- Canción como de metal desconocida por mi, cantada por Meme.
2- Pinche Juan, mi canción.
3- No Controles
4- Alármala de tos
5- Labios jaguar
6- Rarotonga
7- Recuerdos prestados
8- Puntos cardinales,
9- Bicicleta
10- El baile y el salon
11- Metamorfosis

Musica de los 3:
12- Amor Violento
13- Dejate caer, aquí dejaron un rato los instrumentos y se pusieron a hacer su bailesillo ese chido del video.
14- Volver a comenzar, aquí se armaron los primeros slams así aislados entre el publico del área de abajo.
15- Una que no ubiqué jejeje.

Aquí salio el profesor Alex Flores, ese que canta bien chido:
16- Las Flores
17- Ojala que llueva café en el campo!!!!!
18- El aparato
19- Esa noche
20- Como te extraño
21- El puñal y el corazón

Aquí como que amagaron con irse, era de esas típicas de nos vamos y pidan que regresemos y zaz! Pero yo creo que alguno tenia que ir al baño, ya no regresó el profe Flores.

Encore 1:

22- Esta vez
23- El espacio
24- Agua
25- Quiero ver
26- Eres
27- Chilanga banda

Aquí amenazaron con irse otra vez, pero ruben dice: ahhh no se nos está olvidando algo??? Y zaz!!! Los tarratata, tarratata!!!

Encore 2:

28- Ingrataaaaaaaaaaaaaaa!!!! Y el super mega desmadre toda la VFG ahora si se aloco.
29- La locomotora

Aquí apagaron las luces y el Pinche Juan (Rubén), se metió a una especie de inflable, transparente como si estuviera en una burbuja de esas para personas con defensas bajas, y al pasar de las canciones se subió al inflable este, y hasta en un pedazo estaba acostado cantando, para la de EO se bajo de nuevo al escenario.

Encore 3:

30- El fin de la infancia
31- Las persianas
32- Cero y uno.
33- Eo
34- Chica banda interrumpieron y cantaron un pedazo de El ciclon, y siguieron con la de chica banda.
35- Y zaz mi cancion otra vez, Pinche juan.

Estas no me acuerdo en que orden estuvieron =S:

36- Qué pasará
37- Esta vez
39- Maria


Para mis gustos faltaron dos, la de ‘Vámonos’ y la de ‘Las Batallas’

En el área de abajo estaba puro chamaco slamero, que aun tiene mucha energía, y en la parte de las gradas había mucho señor, así como viejos seguidores del grupo; también es de recalcar, que nunca me llegó olor a cannabis, raro; primera vez en mucho tiempo que en un concierto no me toca, aunque podría ser por la seguridad, estaban muy atentos a las personas que fumaban, así tabaco normal, les hacían apagar el cigarro, y los bomberos estaban dándose sus rondines seguidos.Otra cosa, es que el Pinche Juan, hizo un comentario, un saludo a los que ya se fueron lejos a otros planetas, a los niños de sonora que murieron en el incendio, así todo triste y la banda aplaudiéndole, a mi me llegó el comentario .Había dos grandes pantallas a los lados que servían para las personas que veían a lo lejos el escenario, y en la parte de atrás habíaa una pantalla donde se pasaba un juego de luces. Hubo buen desmadre en la parte de abajo, además del slam, estaba el aventadero de vasos con liquido amarillo (dudo que fuera chela), y los gritos de pobres a los que estabámos arriba, que creo que de todos modos eran casi los mismos precios, además de aventarle la ropa interior al Pinche Juan, que en la parte final del concierto agarro un brassier, y se lo puso de huevera (dícese de un brassier puesto en la parte genital masculina). Otro punto a favor, No llovió a pesar de las nubes que amenazaban en el cielo cuando íbamos llegando, lo que ayudo mucho a la afluencia del trafico a la hora de la salida.Creo que es todo, jejeje, si me acuerdo de otra cosa pues ahí la dejo como comentario.

Les paso algunas fotos:

Nuevamente gracias a Adauco por compartirnos esta nota y Felicidades a Café Tacuba por sus 20 años de vida!

Regresa la Revo!

Pues sí; no sé si una buena o mala noticia. Al menos ya no está Morty, la voz femenina con la que rehicieron (cof-cof, arruinaron, cof-cof) varios de sus himnos allá durante los 90's. Assh, ya vi que está entre los invitados...

La Revo presentará su nuevo disco en Guadalajara, en el Teatro Estudio Cavaret. Queda el morbo de saber si van a hacer material en el mismo tenor de sus temas gloriosos de los 70's con Hard Rock de tremenda manufactura, o si van a hacer baladas melosas como en los 80's, o si van a dar un giro moderno y actual.

Muero de ganas de ir por el puro morbo de oír a esta auténtica leyenda en vivo, pero parece que se me va a complicar. Si sucede un milagro, les traigo la reseña del concierto. De cualquier forma espero traer la reseña del disco debut, una verdadera joya del rock mexicano, en estos próximos días.


Les dejo la info del concierto tal cual me llegó:
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Este 2009 es testigo de el renacimiento de La Revolucion de Emiliano Zapata, y ahora, asumiendo el apelativo con el que sus grandes fans los llamaban, La Revo, retoman el camino discográfico con una nueva producción epónima y una nueva alineación. Esta es:

Javier Martín del Campo/Dirección, Guitarra y voz

Al frente de La Revo sigue su principal protagonista, Javier Martín del Campo. Primera y única guitarra del grupo, El Javis continúa aportando las tonalidades características de un sonido ya inconfundible pero siempre en evolución. Fundó La Revolución de Emiliano Zapata durante la década de los setenta con tal éxito de mercado, que la experiencia allanó el camino a otros grupos mexicanos (como El Tri, Bandido o Náhuatl, entre muchos más), al tiempo que su persistencia en el medio ha servido como fuente de inspiración para grupos más recientes, pero también torales en la escena rockera tapatía, como Maná o Rostros Ocultos.

Servando Ayala/Teclados

Con más de 23 años en la alineación de La Revo y 42 de músico profesional; Servando Ayala es y ha sido también un elemento clave en la escena musical mexicana. Además de tocar con La Revo, Servando ha podido aportar, con su talento, al sonido de otras bandas características del período como La Fachada de Piedra, 39.4, Spiders, Kenny Avilés, y contribuyendo con Tony Vierling en la autoría de “Back”, el tema icónico de Los Spiders, también fundamental en el rock mexicano.

César Maliandi/Bajo y voz

Cesar Maliandi se desempeña como productor y compositor. Suma ya quince años en las filas de La Revo, pero sus créditos son muchos y van desde producir a grupos como El Personal o a cantautores como Gerardo Enciso, entre otros. Durante años fue el bajista de Kenny y Los Eléctricos, y en su natal Argentina conformó varios ensambles de Jazz. Además, ha tenido sesiones de grabación con grandes exponentes del rock argentino.

Daniel Kitroser/Batería, percusión y voz

Nació en Córdoba, Argentina. Su formación musical proviene de conservatorios y percusionistas en su ciudad natal. Tiene cuatro años con La Revo, y ha colaborado como productor y músico en grabaciones y presentaciones con La Legión, Sostén (Argentina), Gerardo Enciso, El Personal, Rostros Ocultos, La Dosis, Rubén Rada, La Roca, Kabah, Mitote Jazz y Hernaldo Zúñiga, entre otros.

LA REVO
E INVITADOS EN CONCIERTO
VIERNES 19 DE JUNIO
21:00 HRS.
TEATRO ESTUDIO CAVARET
BANDA INVITADA: LALO GALVAN TRIO
CON LOS INVITADOS: GERARDO ENCISO, GALO OCHOA, GUILLERMO DAVALOS, FERNANDO QUINTANA (RADIOPATIAS), MORTY, PILAR REYES Y JULIO MANGIAMELLI
BOLETOS EN EL SISTEMA TICKETMASTER Y TAQUILLAS DEL TEATRO ESTUDIO CAVARET
PREVENTA: $ 180.00 DIA DEL EVENTO: $ 200.00
Contacto:

Juan Carlos Flores. Gerente de promoción y comercialización del Cavaret Teatro Estudio.
Teléfono: 3055 5122
Correo electrónico: paindjc32@hotmail.com